SAGGI CRITICI SUL MOVIMENTO ARTISTICO PRATICOMATERIALE

CRITICAL ESSAYS ABOUT THE PRACTICALMATERIAL ARTISTIC MOVEMENT

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Rivoluzione Praticomateriale

Oggi assistiamo a uno iato sempre maggiore tra economia dei flussi finanziari, del denaro, che ormai non esiste più neppure nella sua rappresentazione di carta moneta, ed economia della produzione, della lavorazione della materia. In questo senso possiamo dire di avere un modello economico manicheo: l’anima, cioè il nuovo “denaro” che si sposta alla velocità della luce (e questa ricchezza dei pochi che produce la povertà dei molti è veramente mondializzata, proprio come l’inquinamento che colpisce anche chi non l’ha causato), e il corpo, cioè la merce che è trasportata lentamente. La merce non è per nulla mondializzata, ma resta concentrata in una zona ristretta del pianeta. La nuova ricchezza ha mirabili capacità di metamorfosi e di ubiquità, ha la capacità di concentrarsi per poi dissolversi subito dopo e riapparire altrove. Si creano così dei fenomeni da Fata Morgana, dei “miracoli” che abbagliano, ma privi di ogni consistenza e di ogni legame con l’economia di base, quella della materia, della sostanza. Ed è proprio l’arte ad aver anticipato la New Economy con la sua forzatura dei flussi e dei valori speculativi. Gli artisti Praticomateriali (Marc’antonio Modaro, Riccardo Lenzi e Luca Angeli) hanno intuito con straordinaria preveggenza che quel che si è chiamato l’inflazione del mercato dell’arte è un delirio che non ha più niente a che vedere con l’espressione artistica, ma piuttosto con le multinazionali, con la possibilità di riciclare denaro del narcocapitalismo al punto da partecipare proprio alla creazione del narcocapitalismo. Quest’ultimo non è solo il traffico di droga, ma anche la possibilità di creare un’economia parallela. Di fatto accanto alla droga, agli allucinogeni, vi è l’arte, e particolarmente l’arte moderna e contemporanea. Ciò spiega l’arrivo massiccio dei pubblicitari, di Saatchi e compagnia, in questo campo. Un pubblicitario trasforma chiunque in un artista che si vende a 50/100 mila euro a foto. Ma vi sono foto che hanno raggiunto cifre milionarie, e d’altronde quasi tutti i Warhol sono riporti fotografici su tela. Non c’è più neanche la fatica di prendere in mano il pennello. Piuttosto si prende per modello un pupazzo, come ha fatto Jeff Koons, o si prende un busto anatomico con polmoni, budella e bulbi oculari in bella vista, lo si posa sopra un piedistallo ed ecco fatto il nuovo Colosso di Rodi. Il tutto in mostra alla Fondazione Saatchi. È un delirio, sostengono gli artisti Praticomateriali. Ciò significa che le cose non hanno più un valore. Siamo di fronte alla dismisura del valore. Warhol non è più quotato, è “delirato”. La sua firma è la marca di un prodotto cui viene collegato un valore per eccesso. Tutto ciò non ha più niente a che fare con l’arte, con Cézanne, con Braque o con Picasso. Tutto ciò a solo a che fare con una logica commerciale nel senso più banale del termine. Siamo di fronte a un delirio smisurato che mi ricorda una frase del grande Eraclito: «Bisogna spegnere l’eccesso prima ancora che l’incendio». Oggi siamo di fronte alla mondializzazione: anche questo è un fenomeno di eccesso, è un fenomeno di delirio mercantile. Sono bene note le inchieste che ci sono attorno alle case d’asta Christie’s e Sotheby’s per chiacchierate manipolazioni di prezzi. Siamo in un circolo vizioso: le potenze economiche, attraverso fondazioni, collezioni e case d’asta, vogliono ormai governare anche la mondializzazione dell’arte. D’altra parte il Guggenheim possiede già una rete a livello mondiale come la General Motors e ha inglobato sotto il proprio marchio persino il Kunsthistorisches Meseum di Vienna e l’Hermitage di San Pietroburgo. Eppure, e qui sta la portate rivoluzionaria dei Praticomateriali, con questo sistema occorre fare i conti e, quindi, un’attività diventa “artistica”, non quando corrisponde ad uno sviluppo chiarificato e intensificato dei tratti che appartengono ad ogni esperienza normalmente completa, bensì quando il risultato di quell’attività viene, letteralmente, “comprato”. Sono i primi a teorizzarlo, i primi a capirlo, i primi a pubblicizzarlo guadagnando, così, la scala della più alta rappresentazione contemporanea e conferendo alle loro opere perfetta collocazione storica.

Andrea Dipré, critico d’arte

 Practicalmaterial Revolution

Today we witness to a growing hiatus between the economy of financial flows, money, which now no longer exists even  in its representation of paper currency, and economy of production, the processing of matter. In this sense we can say that we have a Manichean economic model: the soul, that is the new “money” that moves at the speed of light (and this wealth of the few that produces the poverty of many is truly global, just like the pollution which affects even those who did not caused it), and the body, namely the merchandise that is transported slowly. The merchandise is not globalized at all, but it remains concentrated in a restricted area on the planet. The new wealth has marvelous abilityes of metamorphosis and ubiquity, has the ability to concentrate and then dissolve immediately and then reappear elsewhere. It creates phenomena by Fata Morgana, “miracles” that dazzle, but without any consistency and any relations with the basic economy, the economy of matter and substance. And it is precisely the art to have anticipated the New Economy with its forcing flows and speculative values. The Practicalmaterial artists (Marc’antonio Modaro, Riccardo Lenzi and Luca Angeli) have understood with extraordinary foresight that what was called the inflation of artmarket is a delirium that no longer has anything to do with artistic expression, but rather with the multinationals, with the possibility to recycling the money of narcocapitalism to the point of participate in the creation of narcocapitalism. This is not only drug trafficking but also the possibility of creating a parallel economy. In fact, next to drugs, hallucinogens, there is art, and particularly the modern and contemporary art. This explains the massive presence of big advertiser,of Saatchi and company in this field. An advertiser transforms anyone into an artist who is sold at 50/100 thousand euros for photo. But there are photos that have reached millionarie values, and moreover, almost all the artworks by Warhol are photographs on canvas. There is not even the effort of picking up the brush. More than that it’s whorty to have a puppet as a model, as did Jeff Koons, or takes an anatomical bust whit its lungs, guts and ocular bulbs in good evidence, laying it on a pedestal, and here is the new Colossus of Rhodes. All of this exhibited at the Saatchi Foundation. It is a delirium, support the Practicalmaterial artists. This means that things has no longer a value. We are facing the excess of value. Warhol is no longer listed, is “delirated”. His signature is the brand of a product whose value is linked to excess. None of this has anything to do with art, with Cézanne, Braque or Picasso. All this just has to do with a commercial logic in the most trivial of the term. We’re facing such exsaggerated delirium that it reminds me a phrase of great Heraclitus: «We need to turn off the excess before the fire». Today we face globalisation: this is a phenomenon of excess, is a phenomenon of marketing delirium. It’s well known that there are investigations about the auction houses Christie’s and Sotheby’s for manipulation of prices. We are in a vicious circle: the economic powers, through foundations, collections and auction houses, now they want to rules also the globalization of art. On the other hand, the Guggenheim already has a world-wide network as General Motors and has incorporated under its own brand even the Kunsthistorisches Meseum of Vienna and the Hermitage in St. Petersburg. Yet, and here is the Practicalmaterial’s revolution, we have to deal with this system, and thus an artistic activity becomes “artistic”, not when it corresponds to a clarified and intensified development of the traits that belong to every experience normally complete, but when the resultof that activity, becomes literally, “bougth”. They are the first to theorize it, the first to understand it, the first to promote it, achieving this way the top of the range in the contemporary representation and granting to their artworks a perfect historical collocation. 

Andrea Dipré, art critic

Ragionamenti sull'Arte Praticomateriale

La modernità è all’insegna baudeleriana dell’ipocrita lettore. Il dilagare di questa ipocrisia avvolge in un turbinio di fantasie estetiche tutta l’arte otto-novecentesca. È – forse– che, dovendo confrontarsi con la classe borghese, l’artista (che di quella classe è parte e ai cui valori aderisce) ha bisogno di nascondersi dietro teorie e idealizzazioni che velino ai suoi e agli altrui occhi il vero, unico fine a cui aspira: il successo. E in cosa potrà mai consistere il “successo” nella società borghese, nella società per la quale anche il tempo – la cosa più inafferrabile e a – è denaro? Nella ricchezza: sì, nel riconoscimento sociale che nella società di mercato si esprime solo e unicamente attraverso il Dat census honores. D’altro canto, l’arte, il prodotto artistico vive per il mercato, si nutre di acquisto di arte, di compravendita. Al di là d’ogni pretesa innocenza (e quindi ipocriti per natura), l’artista e l’estimatore sanno bene che il “valore” dell’opera d’arte è espressione monetraria. L’ipocrisia è nel rovesciamento della prospettiva, nel credere, nel voler credere che un’opera quanto più “valga” più costi. E quel “valore” indipendente dal denaro e dal mercato è dato da un affastellamento di giustificazioni estetiche che da oltre un secolo presume di nobilitare ogni esercizio d’arte. Prendere atto che il mercato è non solo l’habitat proprio di ogni produzione e quindi del prodotto artistico, ma in definitiva l’essenza stessa del meccanismo del produrre e dell’ “agire” dell’arte è l’inno, l’imprimatur dei “Praticomateriali”. Questo svelamento è senza drammi: è conseguenza necessaria, logica di tutto il camuffamento dell’arte moderna, l’esito inevitabile in cui specchiarsi e riconoscersi. Sì, l’arte è mercato. Essa vive di promozioni pubblicitarie (i critici d’arte), di catene commerciali (i galleristi, le aste). Siamo nell’epoca in cui ha valore il best seller e il meglio piazzato nella hit parade. E ciò vale anche in retrospettiva. “Quale” è il valore di un Leonardo? La frase si muta spontaneamente in: “quanto” è il valore ecc.? E la risposta è data da un numero: quello dei milioni di euro di stima. dei praticomateriali è – nella lingua internazionale del mercato – il fregio del corrente criterio di giudizio estetico. L’opera d’arte vive solo dell’acquisto da parte di un compratore. Questo elementare esercizio mercantile fa della compravendita il luogo dell’arte. Se un orinatoio, spostato dal suo ambito abituale, è inserito in un museo, esso diventa per ciò stesso opera d’arte, perchè il contesto determina il testo. Questa stessa logica presiede al mercato dell’arte: il contesto – il mercato – dà senso al testo – al prodotto artistico – e perciò il prodotto artistico è mercato. Ma i Praticomateriali individuano e svelano il rovesciamento di tale legge: anche il contesto si muta in relazione al testo. Il mercato dell’arte è la vera opera d’arte, l’assoluta, quella consona alla globalizzazione del valore monetario. Da qui l’icona ultima dell’arte praticomateriale: la rappresentazione del moderno museo quale icona mercantile del valore, affermazione del raggiunta esito monetario dell’opera d’arte. Senza nascondersi in una nicchia di specificità avulsa dal contesto socio-economico, l’arte praticomateriale affronta fino in fondo tale contesto, lo riconosce quale suo proprio, ne affronta i rischi, ben sapendo che al di fuori di esso c’è il vuoto, la non esistenza. Siamo all’esito ultimo di un secolo e mezzo di procedimenti artistici, all’affrancamento da ogni illusione borghese? Se così è, questa fine non può che essere, come in ogni cosa della storia, un inizio. Da oggi in poi, sotto l’urto dei praticomateriali, i nostri occhi dovranno per forza guardare all’arte con occhi nuovi

Prof. Enzo Filosa

 Thoughts about Practicalmaterial Art

Modernity is a baudelerian’s mark for the hypocritical reader. The spread of this hypocrisy wraps in a swirl of aesthetic fantasy all the artistic production during the XIX and XX century. And maybe, with his confrontation to the bourgeois class, the artist (who belongs and share the values of that class) needs to hide behind theories and idealizations blinding his eyes and other people’s eyes to the truth, single end to which he aspires: the success. And what can it be the “success” in the bourgeois society, in a society where even time – the most elusive and divine thing – is money? In wealth: yes, in the social recognition that the market society is expressed only and solely through money. Dat Census honores. On the other hand, art, the artistic work lives within the market, it feeds itself with the buying and selling of art. Beyond hypocritical by nature), the artist and the buyer perfectly know that the “value” of the work of art is just a matter of money. The hypocrisy is in the overthrow of the perspective, in the believing that a work of art, the more is “worth” the more will costs. And that “value” independent from money and from the market is just the result of aesthetic justifications that for over a century presumed to ennoble every piece of art. habitat of each production and so of any artistic work, but ultimately the essence of the mechanism of producing and acting of art itself is the hymn, the imprimatur of “Practicomaterials”. This revelation is without dramas: is the necessary consequence, logic throughout of the entire camouflage of modern art, the inevitable outcome in which everybody is going to recognize himself. Yes, art is the market. It thrives on advertising promotions (the art critics), market chains (the gallery, the auctions). We’re living in the time where what it count is “the best seller” and “the best placed” in the hit parade. And this is also true in a retrospective way of thinking. What is the value of a Leonardo? The phrase spontaneously changes in: how much it cost? And the answer is given by a number: which is, of course, of severals millions of euros. The declination of the practicomaterial’s buy is, in the international language of the market, the frieze of the current policy of aesthetic judgement. The work of art lives only for the purchase of the final buyer. This elementary mechanism of the art market makes the trading the right place for art. If a urinal, moved from its usual location, is located into a museum, it becomes itself a work of art, because the context determines the text. This same logic way of thinking presides over the art market: the context – the market – gives values to the text – the artistic work – and therefore the artistic product is the market itself. But the Practicomaterials specify and reveal to us the overthrow of the law: even the context can change in relation of the text. The art market is the real and the only work of art, the absolute work art, which is completely related to the globalisation of the monetary value. Hence the ultimate icon of the practicomaterial’s art: the representation of the modern museum as the market icon of the value, the final monetary achievement for the work of art. Without hiding in a spot of specific detachement from the social-economic context, the practicomaterial art addresses into the depth this context, acknowledges it as his own, it faces risks, knowing that outside of it there is just the emptiness, the non-existence. After a century and a half of artistic proceedings, are we facing the last artistic act with the lost of any bourgeois illusions? If it‘s so, this end is going to be, as the all history teach us,just a new beginning. From now on, under the impact of the practicomaterial, we

Prof. Enzo Filosa

TITOLO: 5465 % (Phrase is MARKET)

§1. La nuova arte pratico-materiale fa dell’uomo non più l’oggetto unico, universale e supremo dell’arte, non potendo includervi la natura considerata come fondamento dell’uomo. La nuova arte fa del mercato, con inclusione della sociologia e della semiotica, la scienza universale.

§2. L’arte, e il mercato, sono soltanto manifestazioni o rivelazioni della mancata natura dell’uomo. La pittura vera e completa sarebbe solo quella che possiede un senso estetico o etico o scientifico. L’arte in generale è soltanto quella che non esclude da sé nulla che sia per essenza artistico. Ma se il mercato impedisce questa osmosi, in nome del BUY ME, BUY IT, BUY THIS, gli artisti della nuova arte praticomateriale, restituiscono intatto, anche dopo violenza, il loro essere artistico.

§3. L’identità tra arte e mercato ha completamente spostato il punto di vista della verità. Il punto di vista naturale per l’artista, il punto di vista della differenza tra umano e disumano, tra segno e oggetto, è il punto di vista assoluto, e pertanto anche il punto di vista dell’arte pratico-materiale.

§4. L’unità di arte e mercato, che è unità conforme a verità, non consiste nell’estinzione o nell’oscuramento della differenza tra i due termini, ma piuttosto nel fatto che l’oggetto essenziale del mercato è anche l’oggetto essenziale dell’arte: dunque consiste nell’identità dell’oggetto. Per questo la nuova arte pratico-materiale che risolve l’oggetto essenziale e supremo del mercato, ossia l’arte, nell’oggetto essenziale e supremo dell’intelletto, fonda l’unità razionale di arte e mercato, di pensiero e vita, dunque anche di POLITICA e MERCATO.

§5. L’opera d’arte singola, considerata in se stessa, non racchiude l’essenza dell’arte in sé, né in quanto essere oggetto, né in quanto essere pensiero. L’essenza dell’opera d’arte è contenuta soltanto nell’unità di arte e arte praticomateriale: ed è tale unità che mostra l’estremo amore verso l’arte e la differenza di questa con la sua ICONA.

§6. L’artista diceva o almeno pensava, in quanto uomo e pensiero:”La verità sono io”. Al contrario, l’artista pratico-materiale dice, io sono, nel mercato, e pietrificato nell’ICONA dei MUSEI. Ecco la nuova strada intrapresa: il Guggenheim, il MOMA, il Beaubourg, sono ICONE DI UN MERCATO MUMMIFICATO, e, come tali, Mercato dei Mercati.

§7. La vecchia arte ha una doppia verità: la verità considerata per se stessa, che non si cura dell’uomo e la verità per l’uomo.L’arte pratico-materiale, invece, in quanto arte dell’uomo, è essenzialmente anche un’arte per l’uomo, forse l’ultima, allo stato attuale delle cose e contrariamente a tutte le apparenze. Senza pregiudizio della eticità e della esteticità dell’autonomia artistica, anzi, in profondo accordo con essa, la nuova arte ha essenzialmente una tendenza pratica nel più alto senso della parola: essa subentra al posto della menzogna, è essa stessa annullamento della menzogna. Ora la condizione indispensabile per l’arte praticomateriale, ossia indipendente e vera è questa: che esista in un gruppo di artisti che però è anche unità, che dicano, essi artisti giocosamente – ludus tonalis – del loro amore per l’arte.

Prof. Giorgio Sollazzi

TITLE: 5465 % (Phrase is MARKET)

§1. The new practicalmaterial art makes the human being no longer the unique, , universal and supreme object of art, because this art, can not include the nature , which has to be considered the foundation of man kind . The new art, with the inclusion of semiotics and sociology, makes the market, the universal science.

§2. Art, and market are only events or revelations of the failure nature, of man kind. The true and complete art of painting should be only the one that has an aesthetic or ethical or scientific purpose. The art in general is only the one that does not exclude from itself anything that has an artistic essence. But if the market prevents this osmosis, in the name of BUY ME, BUY IT, BUY THIS, the artists of the new practicalmaterial art, give us back intact, even after violence, their artistic essence.

§3. The identity between art and market has completely shifted the truth’s point of view. The natural artist’s point of view , the point of view of the difference between human and inhuman, between sign and object, is the absolute point of view, and therefore is also the practicalmaterial art’s point of view.

§4. The unity of art and market, which is unity conforms ton the truth, it doesn’t consist in the extension or blackout of the difference between the two terms, but above all in the fact that the essential purpose of the market is also the essential purpose of art: therefore, it consists in the object’s identity. That is why the new practicalmaterial art that solves the essential and supreme object of the market, namely the art, in the essential and supreme object of intellect, found the rational unity of art and market, of thinking and living, therefore also of POLITIC and MARKET.

§5. The single work of art, considered from itself, doesn’t includes the art’s essence itself, not in the way of being object not in the way of being thought. The essence of the work of art is contained only in the unity of art and practicalmaterial art: and therefore this unity shows us the extreme love for art and also the difference of this one from its ICON.

§6. The artist was used to say or at least he was used to think, as man and thought: “I am the truth”. On the contrary, the practicalmaterial’s artist says, I am, in the market, and I am crystallised in the MUSEUM’s ICON. Here’ s the new road taken: the Guggenheim, the MOMA, the Beaubourg, these are ICONS OF an immobilised MARKET, such as, the MARKET OF Markets.

§7. The old art has a double truth: the truth counted for herself, that doesn’t care about man kind and the truth to man kind. The practicalmaterial art, however, as man kind’s art, is essentially also an art for humans, perhaps the last real art, considering our today’s society and on the contrary of all appearances. Without prejudice about the ethics and aesthetics of the artistic autonomy, indeed, with a profound agreement with it, the new art has an essentially practical tendency in the highest sense of the word: it replaces the place of a lie, is itself the annulment of lie. Now the prerequisite for the practical material art, indeed independent and true is this: that it exsists in a group of artists which is also intended as a unity, that those astists playfully may say - ludus tonalis – about their love for art.

Prof. Giorgio Sollazzi

L’originalità di un concetto

scontato

Credo che tutti noi, almeno una volta nella vita, magari di fronte ad un’opera di Mondrian o di Picasso, ci siamo posti la seguente domanda: che cos’è l’arte?. La definizione della parola “arte” che ho ritenuto più consono citare deriva da un dizionario molto usato e conosciuto da tutti, il quale descrive tale argomento come: «… attività umana che si compie con l’ingegno e secondo regole dettate dall’esperienza e dallo studio …» 1. In tale definizione possiamo riconoscere la volontà da parte dell’autore di esaltare il dato oggettivo, di indirizzare una critica verso un modo di pensare definito non dalla soggettività. Ritengo che tale concezione non sia tanto superata, quanto giusta e, allo stesso tempo, ostacolata dall’ignoranza collettiva. Oggigiorno la disinformazione e l’assopimento della curiosità e dell’intelligenza umana hanno creato i presupposti affinché il concetto di arte tramutasse da una scientifica critica oggettiva ad un’erronea presa di posizione soggettiva. Là dove l’oggettività della critica d’arte “ufficiale” fonda il proprio modo di ragionare su caratteri reali e tangibili, la corrente critica che incarna i soli interessi economici e, di conseguenza, la mentalità collettiva ritiene che l’unico fattore oggettivo di giudizio sia il capitale economico che un oggetto acquisisce col tempo. È proprio in questo caso che uno dei lati del processo di globalizzazione della società trasforma l’oggettività di una valutazione in un fattore di pensiero soggettivo e allo stesso tempo massificato. Uno dei grandi meriti degli artisti Praticomateriali credo si possa ricercare nell’intenzione di voler rileggere l’arte contemporanea sotto una lente d’ingrandimento omogenea e condivisa da tutti, quindi oggettiva. Quello che questi artisti ci vogliono dire rispecchia l’animo di una persona saggia che non si ferma all’apparenza ma decide di entrare dentro alla verità delle cose: solo attraverso la conoscenza siamo liberi, l’ignoranza ci porta soltanto ad assorbire senza capire. Attraverso le loro opere i Praticomateriali criticano una popolazione che basa i propri interessi sugli aspetti economici e di mercato, una società ormai globalizzata nel pensiero e nelle abitudini a cui interessa il potere che possono dare la fama ed il denaro. Naturalmente tutto gira intorno ad essi e così anche l’arte che non riesce a sottrarsi da questo vincolo. Così come l’uomo che oggigiorno è considerato da ogni logica di mercato e da qualsiasi fazione politica alla stregua di un numero, lo stesso accade per il mondo artistico, il quale non viene più analizzato attraverso l’innata veste creativa che da sempre lo contraddistingue, ma dalla capacità di questo di porsi ed elevarsi nel mercato. I Praticomateriali si schierano contro il lato ipocrita che l’arte mostra di sé e, di conseguenza, lanciano provocazioni e critiche continue verso il mondo d’oggi e la gente che lo abita. Propongono una tipologia di pensiero che volutamente incalza contro la società d’oggi: attraverso le loro opere, Modaro, Lenzi e Angeli, stimolano intellettualmente chiunque non si renda conto di ciò che stiamo vivendo e di quello che ne tutti stiamo passando. Questa critica non deve però essere concepita negativamente, ma dobbiamo credere che i Praticomateriali creino i loro prodotti esclusivamente per incoraggiare tutti noi ad un cambiamento intellettuale repentino ed immediato. Tale corrente di pensiero è giunta a ritenere che ormai l’arte è fatta non dagli artisti ma dal mercato dell’arte che ha il potere di amplificare o restringere il messaggio e la riconoscibilità di un’opera: la maggior parte dei critici, giornalisti, intenditori e tutte quelle altre categorie professionali che traggono un certo beneficio economico da questo campo non sempre intendono promuovere giovani menti capaci di introdurre brillanti idee o tecniche rivoluzionarie, ma vogliono governare il mercato imponendo stili precisi e marchi di fabbrica immediatamente riconoscibili da chiunque. Le opere maggiormente quotate dalla critica “che conta” sono così pubblicizzate e depositate in gallerie e i musei molto importanti: in questo modo, qualsiasi persona, dalla più ricca alla meno abbiente, ha la possibilità di vederla e di giudicarla senza però sapere cosa ci sia realmente dietro a quel oggetto, senza conoscere se sia veramente arte no. Uno sguardo al prezzo esposto oppure al luogo in cui sono ubicate queste “immagini” innesca un processo mentale di immediata quantificazione che esclude ogni possibilità di ragionata qualificazione dell’opera. Gran parte del merito di questa “disfatta” culturale va ai mass media ed alla pubblicità mirata che fanno in favore di opere prescelte. Accade molto spesso che l’articolo di un giornale o un programma televisivo qualsiasi ci racconti la sola facciata delle cose e non il nocciolo della questione: passivamente accettiamo e ci lasciamo trasportare da immagini e suoni casualmente ignoti ed irriconoscibili, ma che, in breve tempo, diventano parte quotidiana di noi stessi. La conseguenza di tutto questo si traduce in una società addormentata, passiva, che preferisce apparire piuttosto che essere: in tal caso, la riproposizione continua di un’icona audio-video ci può affascinare a tal punto da considerarla opera d’arte. La critica di Modaro, Lenzi e Angeli è dichiaratamente rivolta anche tutti quegli artisti che producono un’arte prefissata,” prefabbricata”, ragionata, imposta dalle regole del mercato. Nonostante abbiano coniato il proprio successo sull’icona “Artmarket”, i Praticomateriali non stanno dalla parte del mercato, ma dell’arte: il loro è un tentativo atto a risvegliare la coscienza degli artisti e dei loro prodotti, è un incoraggiamento a far sì che si produca arte per fare arte. Tale corrente artistica non nasce come risposta ad uno stile o ad un movimento ben preciso, così come accade nella storia dell’arte e nella ciclicità degli eventi, ma come volontà di svelare il lato ipocrita che sta sotto alla maggior parte dei movimenti artistici odierni. I Praticomateriali non ritengono opportuno prendersela con una corrente artistica precisa, anzi, pensano che ogni stile ed ogni mezzo sia lecito per denunciare i fatti poc’anzi descritti: ciò che è importante risiede nella conoscenza e nella ricezione immediata del messaggio. Non accettano alcun vincolo estetico, nonostante, talvolta, il loro linguaggio si basi su immagini astratte e figurative: ciò non basta ad incanalare i tre artisti verso una tendenza pittorica precisa poiché loro stessi intendono superare l’antagonismo fra gli stili e si propongono non tanto come una nuova corrente, ma come un nuovo modo di fare arte. In tal senso, ritengo che sia fuori luogo imprimere un giudizio tecnico su un’opera pratico materiale, ma è significativo comprendere fino a che punto il messaggio di denuncia sia arrivato e con quale immediatezza. Non è importante denunciare una tecnica coniata ed adottata da un altro movimento poiché non ci troveremmo davanti ad un tentativo di plagio in quanto i Praticomateriali considererebbero questa espressione come un mezzo lecito per impreziosire ancora di più il significato profondo dell’opera da loro prodotta. Nel caso in cui ci trovassimo davanti ad un segno non perfetto, ad una tecnica inappropriata, ad un’impronta già proposta, non ci dovremmo meravigliare negativamente, ma dovremmo considerare l’oggetto come prodotto ancora più vicino al vero concetto di arte: i Praticomateriali vogliono manifestare quanto sia inutile paragonare l’arte alla bellezza soggettiva e, allo stesso tempo, quanto sia fondamentale comprendere quelle che sono le reali e profonde tematiche che si celano dietro ad un gesto espressivo. L’opera Praticomateriale non può essere considerata solamente con un prodotto grafico, ma come un insieme di aspetti che collaborano per il raggiungimento del medesimo obiettivo. Soltanto attraverso lo scambio concettuale e simbiotico fra il manifesto, ovvero la base del ragionare Praticomateriale, il logotipo, ovvero la firma, ed il catalizzatore visuale, ovvero l’opera vera e propria, si produce arte praticomateriale. Il logotipo rappresenta una grande provocazione nei confronti dell’intelligenza collettiva: firmando le proprie opere con gli acronimi di Buy This, Buy , l’artista assicura al cieco committente la bellezza e la capacità artistica del prodotto, il quale viene comprato, inserito all’interno del mercato, divenendo così, a tutti gli effetti, un vero prezzo d’arte. Il logotipo incarna l’arte mercificata. Il catalizzatore visuale è invece la base senza la quale le idee dei Praticomateriali non potrebbero essere espresse: diversamente da altri movimenti artistici non assume un’importanza eccezionale se viene disgiunta dallogotipo e dal manifesto. Il catalizzatore visuale è ciò che serve per capire. Il manifesto riveste invece il lato più importante poiché in esso sono contenuti i concetti basilari del pensiero praticomateriale. Il manifesto è ciò che deve sempre essere menzionato nel momento in cui osserviamo un’opera: talvolta è presente in alcune rappresentazioni a testimonianza del rafforzamento del messaggio espresso. I Praticomateriali si servono di questo per esclamare che non esiste l’arte, ma il mercato dell’arte, attraverso il quale si propaga il pensiero artistico: da qui il mercato fa l’arte e non viceversa. A mio parere ritengo che l’originalità di questo movimento risieda proprio in quest’ultimo concetto che, nonostante sia noto e presente da sempre nella storia dell’arte e nella storia sociale dell’uomo, è stato espresso per la prima volta con forza e convinzione da una corrente artistica. Nonostante tutti noi avessimo pensato almeno una volta nella vita che l’arte è anche espressione del mercato, i Praticomateriali sono stati primi a

1 Il grande dizionario Garzanti della lingua italiana , Milano, 1987.

Giacomo Bechini – Critico D’arte

The originality of

  an evident concept

I think all people, at least once in their lifetime, facing a work of Picasso or Mondrian, have asked themselves what is art?. The definition of the word “art” that I consider most appropriate comes from a dictionary widely used and known by everybody, which describes this argument as: «… human activity that is accomplished by talent and according to rules dictated by experience and studies …» 1. In this definition we can recognize the author’s will to exalt the objective fact, to address a criticism towards a way of thinking defined not by subjectivity. I believe that this opinion is not so outdated, but I think it’s right and, at the same time, hampered by general ignorance. Today, misinformation and drowsiness of curiosity and of human intelligence have created the conditions so that the concept of art was to change from a scientific and objective criticism into a wrong subjective position. Where the objectivity of official art criticism makes its way thinking about real and tangible facts, the current criticism that embodies the only economic interests and, consequently, the collective mentality, believes that the only objective judgement is the economic value that an object acquires by time. In this case the globalization process of society transforms the objectivity of a consideration into a subjective, but at the same time, collective thought. I believe that one of the great merits of the Praticticalmaterial artists can be found in the intention to read contemporary truth of things: only through knowledge we are free, ignorance only leads us to absorb without understanding. Through their works the Practicalmaterials criticize a population that creates its interests on economic market issues, now globalized by thoughts and habits interested only in power that fame and money can make. Of course, everything goes around them and so also art that can not escape from this constraint. Today the man is considered only a number by market interests and by any political faction and this happens to the world of art that is no more analyzed by a creative capacity that had always characterized it. The Practicalmaterials fight against the hypocritical face of art, and thus criticize the world of our days and the people who live in it. They propose a type of thought that deliberately goes against society of today: through their works, Modaro, Lenzi and Angeli, stimulate those who are not aware of what we are surrounded by and what we are all going through. This criticism must not be conceived negatively, but we believe that the Practicalmaterials create their products exclusively to encourage all of us in a different intellectual sudden change. This current has come to believe that now art is made not by artists but by the artmarket that has the power to restrict or amplify the message and the recognition of a work: most critics, journalists, connoisseurs and all those other professional groups that derive some economic benefit from this field not always wish to promote young minds capable of introducing brilliant revolutionary ideas or techniques, but want to govern the market by imposing certain styles and trademarks immediately recognizable by anyone. The works mostly quoted by critics “that counts” are well publicized and deposited in galleries and very important museums: in this way, any person, from the richest to the least wealthy, has a chance to see and judge it without knowing what’s really behind that object, without knowing whether it is really art or not. A glance at the price or at the place where these pictures are located gives an immediate mental quantification which excludes any possibility of rational qualification of the work. Much of the credit for this cultural “defeat” goes to the media and targeted advertising that protect the chosen works. It happens very often that the article of a newspaper or a television programme just tells us only about one side of things and not the crux of the matter: we accept passively and we let ourselves be carried by images and sounds randomly unknown and unrecognizable, but that in a short time becomes part of everyday life. The consequence of all this is a passive society that prefers to appear rather than to be: in this case, the proposal of an audio-video can fascinate us so far to be considered a work of art. The criticism of Modaro, Lenzi and Angeli is openly addressed also to all those artists who produce an art only set up by market rules. In despite of its success coined as “Artmarket”, Practicalmaterials  are not on the side of the market, but of art: their act is an attempt to awaken the conscience of artists and their products, it is an encouragement to ensure who produces art for art. This movement is not a response to a style or to a particular current, as it happens in history of art and of events, but it is a will to reveal the hypocritical side that is below the most of the artistic movements today. The Practicalmaterials do not consider appropriate to criticize a particular artistic movement; indeed, they think that every style and each goal will be reasonable to denounce the facts described earlier: what is important is knowledge and the immediate receipt of the message. They do not accept any aesthetic constraints, although sometimes their language is based on abstract and figurative images: this is not enough to channel the three artists towards a pictorial trend because they wish to overcome the antagonism between different styles and they do not want to be a new current, but they propose a new way of doing art. In this sense, I think it is inappropriate to give a technical opinion on a Practicalmaterial work, but it is significant to understand how the message of complaint has come through and how immediately it has. It is not important to denounce a technique coined and adopted by another artistic movement as Practicalmaterials consider this a way to enrich even more the profound meaning of their product. We should consider the item as a product even closer to the true concept of art: the Practicalmaterials want to demonstrate that it is useless to compare art to a subjective beauty and, at the same time, how essential it is to understand what are the real and profound issues that lie behind an expressive gesture. A Practicalmaterial artwork can not be counted just as graphic product, but as a set of issues that work together to achieve the same goal. Only through the conceptual and symbiotic exchange between the manifesto, which is the core of the practicalmaterial thought, the logotype which is their signature, and the visual catalyst, the artwork itself, the Practicalmaterial art is produced. The logotype represents a major provocation toward the collective intelligence: signing their works with the acronyms of Buy This, Buy Me, Buy It, the artist ensures to the blind buyer the beauty and the artistic ability of the product, which is bought , inserted in the market, thus becoming for all intents and purposes, a real artwork. The logotype embodies itself the mercification of art. The visual catalyst is the basis without which the ideas of Practicomaterial artists could not be expressed: unlike other artistic movements it does not take exceptional meaning if it is separated from the logotype and the manifesto. The visual catalyst is what you need to understand. The manifesto is the most important part of their art because it contains the basic concepts of the Practicalmaterial thought. The manifesto is what must always be mentioned when we look at an artwork :sometimes it is present in some artworks to witness the strengthening of the message delivered. The Practicomaterials use this to exclaim that there is no art, but the art market, through which it spreads the artistic thought: from here the market makes the art and not vice versa. In my opinion I think that the originality of this movement lies precisely in the concept that, even if very well known in the history of art and in history, it has been expressed for the first time with strength and conviction by an artistic current. Although all of us had thought at least once in life that art is also an expression of market, Praticomateriali were the first to denounce it with.

1 Il grande dizionario Garzanti della lingua italiana , Milano, 1987.

Giacomo Bechini – Art Critic